Les pel·lícules més oblidades i / o injustament maltractades de la dècada - IndieWire Critics Survey

'Déu ajuda la noia'



Cada setmana, IndieWire fa dues preguntes a un bon grapat de crítics de cinema i publica els resultats dilluns. (La resposta a la segona, “; Quina és la millor pel·lícula a les sales actualment? ”; es pot trobar al final d’aquest post.)



Aquesta setmana, IndieWire va publicar la nostra llista de les 100 millors pel·lícules dels anys 2010.



Per descomptat, cap llista de 100 pel·lícules amb prou feines es rasca la superfície d'una dècada que va veure l'alliberament de milers (i milers), i una gran quantitat de pel·lícules especials, especialment de les varietats disputades o obscures, no van fer cap tall. I, amb això, hem demanat al nostre grup de crítics de cinema que escollís la pel·lícula ignorada i / o injustament maligne dels darrers deu anys que més esperen que la gent la pugui trobar, redescobrir o reconsiderar en el futur.

'24 marcs' (Abbas Kiarostami)

'24 marcs'

Ken Bakely (@ kbake_99), freelance per a Film Pulse

Tot i que la crítica no va agradar a la publicació del 2018, voldria dir algunes paraules per a '24 fotogrames', l'última pel·lícula d'Abas Kiarostami, i va argumentar el seu lloc com a fita important dins la filmografia del director. La seva insòlita naturalesa: dues hores de 24 escenes aparentment no relacionades (aproximadament quatre minuts i mig de cadascuna), que són sobretot imatges fixes com una barreja d’animació, moviment d’acció en directe i efectes sonors afegits, poden fer-ho sentir un experiment curiós que no pas una pel·lícula completa, però hi ha molt per apreciar els temes tractats en cadascun, així com el que significa en un context més ampli. Amb una gran varietat d’ambients, que van des d’escenes de la natura fins a escenaris urbans fins i tot a una pintura, podem veure una infinitat de maneres que Kiarostami va examinar el món a través de la seva obra i, sovint, de maneres que feien usos poc convencionals del mitjà de la pel·lícula. les regles tradicionals de com es poden explicar històries o explorar entorns. La seva capacitat d’evocar grans significats i emocions en els espectadors des de configuracions que semblen difícils d’analitzar en un primer moment va continuar fins al final de la seva vida, i el fet de tornar a veure “24 fotogrames” aquest cap de setmana va oferir una oportunitat per apreciar i descobrir les connexions i comparacions dins de cada composició. Sembla una gran culminació dels rics pensaments filosòfics i dels enfocaments inventius que Kiarostami va prendre al públic al llarg d'una carrera dedicada. Aquesta pel·lícula és un èxit veritable i atrevit d’un gran artista, i és una de les pel·lícules dels darrers anys que espero que siguin recordades i discutides ben endavant.

“Avantatjosa” (Jennifer Phang)

“Avantatjós”

Allyson Johnson (@AllysonAJ) TheYoungFolks.com, ThePlaylist.net, CambridgeDay.com, TheMarySue.com

Sempre hi ha hagut una gran quantitat de pel·lícules molt interessants que falten a la conversa de l'audiència general, però poques han estat tan audaçment assegurades com la directora Jennifer Phang i el 2015; “; Avantatge. ”; Evident pel seu treball de direcció a la televisió, Phang no és aliè a la ciència ficció i amb “; Avantatge ”; Ella va adoptar el gènere i es va doblar per temes de sexisme, maternitat, envelliment i autonomia moral i la manera com tots ells s’entrecreuen en alguna cosa que els sistemes que ens envolten consideren productes de venda o servei. És una imatge impactant i nefasta amb una interpretació destacada de la co-escriptora Jacqueline Kim amb imatges que es mantenen tan a fons que és una pel·lícula digna de dissecció continuada.

No és una obra que es basa exclusivament en la seva potència temàtica, és també un film de ciència ficció tan impressionant que, com la majoria de grans pel·lícules d’aquest gènere, es combina perfectament amb el concepte d’imatgeria, creant alguna cosa visualment atemporal mantenint evidència de l’època en què es va suportar. des de. Com que va ser dirigida per una dona amb un pressupost més reduït i publicada exclusivament a través de Netflix, no és estrany que es passés per alt. Tanmateix, “; Avantatge ”; és digne d'una nova mirada: una de les millors pel·lícules de ciència ficció de la dècada passada i una incursiva incursió sobre com comercialitzem el cos i la ment de les dones. Phang va crear una pel·lícula nítida, atractiva i desgarradora amb “; Advantageous ”; Disparar amb un ull elegant i elegant, amb paletes rentades que ens transportaran al “; futur proper, ”; tallant una història fascinant d’excessiva opulència, apatia afluent i amor a les mares. Hi ha poques pel·lícules com aquesta.

“Annihilation” (Alex Garland)

“Annihilation”

Matt Zoller Seitz (@MattZollerSeitz), RogerEbert.com

“Annihilation”. Possiblement, la primera pel·lícula de ciència ficció visionària de gran pressupost en una vena del '2001' des de 'Close Encounters of the Third Kind' que va bloquejar el replà. Ho va fer sense explicar-se, una temptació que moltes pel·lícules SF impulsades per idees, incloses les bones, no poden resistir. Ho he vist cinc vegades i ho he mostrat públicament dues vegades, i el que més em crida l'atenció és que tothom que descrigui de què es tracta 'té una interpretació diferent.

“Bandslam” (Todd Graff)

“Bandslam”

Danielle Solzman (@DanielleSATM), Solzy a les pel·lícules / Freelance

La pel·lícula més subestimada de l'última dècada i, certament, entre els més infravalorats penalment és 'Bandslam' de Todd Graff. Summit Entertainment va distribuir la pel·lícula l'agost de 2009, i mentre que va fer-ho bé amb els crítics, va ser un fracàs entre el públic general. La pel·lícula ni tan sols ha recull una segona vida en streaming. Ningú en parla realment i últimament m’ha estat al cap per culpa del proper 10è aniversari d’agost.

És la mateixa manera que es criticava el màrqueting d’Annapurna per a “Booksmart”, però podem dir el mateix per a l’estratègia de Summit sobre “Bandslam”. Es tracta d’una pel·lícula que inclou Gaelan Connell, Aly Michalka i Vanessa Hudgens protagonitzant papers. Michalka i Hudgens tenien una base de fans integrada que va néixer arran del seu treball a Disney. En lloc d’intentar vendre la pel·lícula amb el concepte, l’estudi va optar per centrar-se en els llaços de Disney. Aquesta va ser una mala idea i només puc esperar que es rectifiqui.

“Bellflower” (Evan Glodell)

“Bellflower”

Aaron Neuwirth (AaronsPS4), We Live Entertainment, Why So Blu, Out Now with Aaron and Abe

Tot i que hi ha molt a considerar quan es tracta de pel·lícules no publicades dels darrers deu anys, si es tracta del 'Chi-Raq' de Spike Lee o 'Valerian i la ciutat dels mil planetes' de Luc Besson, la primera pel·lícula que va venir al cap va ser la d'Evan Glodell. “Bellflower.” Amb una apocalíptica novel·la, la pel·lícula va guanyar la seva bona part de bones crítiques, així com una candidatura al Independent Spirit Award, tot i que encara sembla haver-la passat. És una pena.

El director / escriptor / editor / Star Glodell pot no haver saltat immediatament a un altre projecte, però fer que una pel·lícula que funcioni com a pel·lícula romàntica anti-arthouse, amb prou excentricitat també funcioni com a homenatge a “The Road Warrior” és una cosa que sembla que podria obtenir l'atenció de més que uns quants. Això sí, quan es tracta de celebrar allò que “Bellflower” ofereix, bé, es tracta d’una pel·lícula que va trobar Glodell i la seva tripulació construint càmeres úniques per oferir una experiència visual única amb dos tiets obsessionats per l’apocalipsi. , un cotxe molt modificat i una relació aparentment condemnada.

'Bellflower' en realitat s’aplica en moltes idees que, bones o dolentes, tenen encara més rellevància avui que quan va arribar als cinemes inicialment el 2011. Fet amb un pressupost més brillant, la pel·lícula és tosca als voltants, però també és magníficament mirar com una estranyesa visual amb molta ambició. També presenta un vehicle cinematogràfic que podria arribar a ser icònic si la pel·lícula hagués rebut una atenció més considerable, com a qui pot resistir un Skylark Buick de 1972 equipat amb flamets i anomenat Mare Medusa?

“Atlas del núvol” (Tom Tykwer, Lana Wachowski, Lilly Wachowski)

“Atles del núvol”

Fran Hoepfner (@franhoepfner), Bright Wall / Dark Room

El temps passarà, les civilitzacions cauran, Neo Seoul s’aixecarà i seguiré batent el tambor per l’adaptació de Tom Tykwer i les germanes Wachowski de Cloud Atlas. Basada en la novel·la probablement infal·lible de David Mitchell, la pel·lícula és una èpica de gairebé tres hores: una exploració del temps i les persones i la civilització, i una mediació sobre la manera en què un gest es pot estroncar a través del temps i de l’espai. A través de sis històries, cadascuna de les seves pròpies de gènere, que van des de viatges històrics fins a thriller de polpa dels anys 70 fins a ciència ficció futurista, la pel·lícula reutilitza els seus actors a través de cada narració per crear un sentit de cohesió. En el moment del seu llançament, Cloud Atlas estava en mal estat, en part, a causa del seu ús de la modificació de la cursa tant en actors blancs com no blancs. Veig les crítiques i estic d’acord amb això, i on em trobo set anys després de la publicació de la pel·lícula és que aquesta elecció creativa és alhora inacceptable i completament necessària.

Que cap d'ella funcioni de manera cinematogràfica sense veure els mateixos actors una i altra vegada al llarg del temps, a tot el món, així que em queda un gran signe d'interrogació al meu cap. Però, molt del que es mostra a la pantalla, és impressionant, divertit i profundament de cor. Que el que hi ha a la pantalla funciona i no funciona forma part de la màgia, el que el fa sentir tan intensament personal que no pas generat per una sèrie d'algorismes. Tenir alguna cosa tan grandiós sentiu això específics és cada cop més rar a través del panorama cinematogràfic i, per aquesta raó, només hauria de celebrar-se Cloud Atlas. Fins i tot pensar en el seu tràiler de sis minuts (!) Em portarà a les llàgrimes! I, per a res, la puntuació de Tykwer per a la pel·lícula és, sens dubte, una de les millors puntuacions de la dècada.

Don Shanahan (@casablancadon), Cada pel·lícula té una lliçó, 25YL i Medium.com

Reflexionar sobre una dècada sencera de cinema és, per a mi, una mesura de poder quedar-se. Aquest atracament persistent pot ser el resultat de qualsevol desencadenant emocional o intel·lectual, des de les sensacions estimades a la gimnàstica mental festiva d’una experiència que no puguis sortir del cap. La frustració pot fer que els records siguin tan forts com el gaudi. Una pel·lícula de qualitat maltractada que s'adapta a aquests catalitzadors i a les barreres és el 'Atles de núvols' del 2012. És un comentari que fins avui no he pogut escriure com a crític. El treball massiu de Tom Twyker i les germanes Wachowski és un xoc de màgia i bogeria.

Alguns moments ens abatien absolutament fins als nostres nuclis, mentre que d'altres sobrepassen cada pista cerebral. Fins i tot intentant adaptar la seva monstruosa font de fonts, 'Cloud Atlas' és una de les empreses més decidides i fervoroses que he vist mai. Sempre que respecti el talent i l'esforç, per tots els compradors que tinguin garantia, i que tingueu en compte les banderes que guanya (longitud, dinàmica racial, espiritualitat i molt més). Nosaltres no estàvem preparats per a la seva cordura fa set anys i ho demostra la divisivitat crítica i pública. Encara no podríem estar a punt per capbussar-se cap al 2020. Tot i això, en una era en què una dimensió important de cinegistes i cinefils ha començat a anhelar més substància fora dels blockbusters cinematogràfics, “Cloud Atlas” necessita una atenció actualitzada, ulls frescos i una renovada oportunitat de guanyar aclamacions artístiques i estimació duradora.

“Coma” (Sara Fattahi)

'Coma'

Richard Brody (@tnyfrontrow), el Nova York

Hi ha molts tipus de menyspreu que pateixen les grans pel·lícules, i el primer llargmetratge de la cineasta Sara Fattahi, 'Coma', des del 2015, ha patit una cruel versió: l'abandonament. 'Coma' és un dels documentals més originals dels darrers anys; rodant a Damasc, en gran part al seu apartament familiar, centrat principalment en la seva mare, la seva àvia i ella mateixa, enmig de la guerra civil, Fattahi filma la intersecció de la vida personal i política amb una rara imaginació estètica. Tant si estigui com si no, el primer llargmetratge de Fattahi em crida com la pel·lícula més inspirada influïda per l’obra de Chantal Akerman. 'Coma' va guanyar un premi important a la Vienna en 2015; encara no s'ha estrenat aquí (ni la seva pel·lícula del 2018, 'Caos'), però, com a mínim, els novaiorquins es poden veure per si sols: almenys es projecta, un cop, a Anthology Film Archives el 15 d'agost.

'The Edge of Seventeen' (Kelly Fremon Craig)

'La vora dels disset'

Christopher Llewellyn Reed (@chrisreedfilm), Hammer to Nail, Film Festival Today

En un món just, pel·lícules fantàstiques i entretingudes com Destin Cretton ’; s 2013 i ldquo; Short Term 12 i ”; Gillian Robespierre ’; s 2014 “; Niño obvio, ”; Rick Famuyiwa ’; s 2015 ”; Dope ”; i Kelly Fremon Craig ’; s 2016 “; The Edge of Seventeen ”; tots haurien estat grans èxits, aportant nous escrits i emocionants actuacions a la pantalla. En canvi, cadascun va fer, respectivament (segons Box Office Mojo), 1 milió, 3 milions de dòlars, 18 milions de dòlars i, de nou, 18 milions de dòlars. Aquesta última xifra sorprèn realment, ja que “; The Edge of Seventeen ”; Ofereix angúnia adolescent, cosa que tots hem experimentat, des de la perspectiva de l’actriu Hailee Steinfeld ’; és un gir molt divertit i humorístic com Nadine, una jove estudiant de secundària enmig d’un funk depressiu. Quan s'apropa a la seva professora preferida, interpretada per Woody Harrelson, per dir-li que planeja matar-se, es nega sorprenentment a jugar bé, establint un estrany i foragitós relat que marca el to d'aquesta divertida història de la majoria d'edat. Potser és Nadine ’; s la tristesa subjacent que va evitar que més gent veiés la pel·lícula, però aquest espectador va trobar que el director Craig ’; s acostava una bona rebuda de l’habitual abordatge platitudinari de l’experiència adolescent. Esperem que pugui trobar una audiència més gran amb el pas del temps.

'Déu ajuda la noia' (Stuart Murdoch)

'Déu ajuda la noia'

Jesse Hassenger (@rockmarooned), The A.V. Club, La Setmana, Nylon

He continuat sobre aquesta pel·lícula en qualsevol ocasió, però al meu cor de cor, no hi ha cap altra opció de la dècada del 'God Help the Girl' del 2014, un musical indie escrit i dirigit per Stuart Murdoch, líder del rock escocès. banda de Belle & Sebastian. En una dècada en què la pel·lícula musical tornava a ser una programació habitual en els programes de llançament de nou, em fa gràcia veure amb quina freqüència s'ha passat per alt el millor musical en anglès de la dècada, o ha estat destituït com a aficionat o, pitjor, per a respondre. (Estalviaré el meu tractat sobre la pobreça que té la majoria de la gent que utilitza la paraula 'twee' en la seva definició per a un altre temps.) Es tracta d'un musical a petita escala sobre una jove cantautora (Emily Browning) que troba la seva veu enmig. algunes lluites de salut mental i noves amistats amb altres parells d’inventaris (Hannah Murray; Olly Alexander), però Murdoch se sent profundament menys avergonyit de muntar números musicals reals que la major part de la seva competència excelsa.

La vibració música-vídeo de bricolatge proporciona als números musicals una sensació d’alegria infecciosa, més viu d’una manera impressionant, tenint en compte l’ànim sostingut de la melangia de la pel·lícula. La pel·lícula també funciona com una consideració reflexiva sobre com es pot desenvolupar la visió artística d'un músic i el sentit de l'ambició durant el tumult personal, i probablement alguna forma d'autobiografia codificada per a Murdoch, cosa que la converteix en una alternativa superior a 'Bohemian Rhapsody' i 'Rocketman' com a així com els horrors de “Mamma Mia”. Es concedeixen, “God Help the Girl”, uns quants dels meus botons de gust personal bastant durs, des de la música de Belle & Sebastian i la jove joventut fins a la cinematografia de 16mm. Però estic sorprès perquè això no sembli un tema de culte molt estimat, i aquest any el faré votar el millor de la dècada.

'Ingrid Goes West' (Matt Spicer)

“Ingrid Goes West”

Max Weiss (@maxthegirl), revista Baltimore

Encara ens sorprèn una mica que Matt Spicer ’; s 'Ingrid Goes West', una sàtira amb una mirada obscura de la nostra cultura obsessionada a Instagram, no va aconseguir un amor més crític. El que delimita tan clarament és que Instagram necessita un yin i un yang, tant el “; influencer ”; que elabora acuradament una imatge pública perfecta i el consumidor necessari i exigible, que creu i desitja aquella perfecció. Aubrey Plaza és meravellós, trist i espantós i foscament hilarant, com la perillosament obsessionada Ingrid. Com a Taylor, objecte de la seva obsessió, Elizabeth Olsen és una princesa SoCal besada pel sol totalment convincent: una dona que té tota la feina per existir a Internet. Ple de detalls minúsculs i desenfadats: el marit de Taylor i rsquo; s un artista que reposa altres pobles ’; treballar estampant hashtags sobre ells; Taylor llueix la seva pàgina amb cites inspiradores de llibres que mai no ha llegit; això se sent en moltes formes com la sàtira definidora de la nostra generació.

'El discurs del rei' (Tom Hooper)

'El discurs del rei'

Daniel Joyaux (@thirdmanmovies), col·laborador freelance de Vanity Fair, The Verge, MovieMaker Magazine, Filmotomia

Permeteu-me primer dir que voldria que es tractés de dues preguntes repartides en dues enquestes diferents. Hi ha moltes pel·lícules fantàstiques que es passen per alt d’aquesta dècada i també hi ha moltes pel·lícules malignes injustament d’aquesta dècada, i obligar els enquestats a triar un angle o l’altre només limita el nombre de pel·lícules que es poden eliminar i discutir. Un cop dit això, aniré amb l’angle equivocadament maligne perquè escric molt sobre els ,scars, i absolutament res no pot fer que la pel·lícula s’enganyi injustament més que guanyar alguns Oscars importants. Seré sincer, en realitat crec que tots els guanyadors de les millors pel·lícules d’Oscar d’aquesta dècada són força bons (tot i que, certament, alguns no eren el millor film de l’any). Però durant aquesta setmana de totes les setmanes, a la llum del tràiler hilarantament horrible de “Gats”, recordo que cap guanyador de la imatge no és més odiat injustament que el discurs del rei del 2010.

Mireu, tinc les queixes: va superar el superior 'La xarxa social', que mereixerà una gran quantitat de llistes dels millors de la dècada; és una pel·lícula sobre un gran home blanc que fa coses fantàstiques, de les quals hi ha hagut massa i els cascars han estat massa disposats a deixar-se caure sobre els talons; i és una pel·lícula que elimina qualsevol història problemàtica de la seva història, com la simpatització nazi. Però es tracta principalment de queixes de context, no de qualitat. El discurs del rei és una història preciosa (sense gaires llibertats problemàtiques), el guió és dinàmic i divertit, i la interpretació és absolutament meravellosa. Colin Firth, Geoffrey Rush i Helena Bonham Carter ofereixen millors actuacions en la pel·lícula.

Gran part de l’odi tenia com a discurs el “; The King ’; s Speech ”; es basa en quin tipus de pel·lícula es tracta. També vull una representació més diversa en la indústria cinematogràfica i, sobretot, vull que els cascar siguin molt millors en reconèixer aquesta diversitat. Però això no ha de venir a costa de pel·lícules com el discurs de “; The King ’; s Speech ”; (o “; El joc d'imitació ”; i “; La teoria de tot, ”; que tots dos van ser presa dels mateixos atacs). Rebutjo la idea que una bona història no hauria de ser convertida en una pel·lícula simplement perquè no es tracta d’un home blanc mort amb una entrada d’Enciclopèdia Britànica, i que cada cop hi ha més històries de diversitat que no han de tenir per compte. Això no és binari; és un cas on els públics poden i han de tenir-ho de les dues maneres. Només cal que ens retenguem per creure-ho.

'Cavaller de copes' (Terrence Malick)

'Cavaller de copes'

Fotos verdes àmplies

Joel Mayward (@joelmayward) Cinemayward.com

Crec que Terrence Malick encara no ha fet una pel·lícula dolenta, només ha fet obres mestres, inclòs el Google Pixel 3. Molts crítics i públics han maltractat Malick per a cadascuna de les seves pel·lícules després de 'L'arbre de la vida', però segueixo captivat per l'energia i l'esperit que Malick aporta a aquests projectes recents. Tot i que també podria lloar “To the Wonder” i “Song to Song”, és “Knight of Cups” el que vull ressaltar aquí, un malicià que es passeja pel món de Los Angeles amb tota la seva bellesa i rotura. Estrenada als cinemes nord-americans el 2016, 'Knight of Cups' és l’humor antítesi metafísica de 'La La Land' d'aquest any, ja que ambdues pel·lícules ofereixen representacions fantàstiques de la indústria de l'entreteniment que impregna el paisatge de L.A. L'enfocament improvisatiu de Malick, la càmera errante i les conegudes pràctiques d'edició es mostren aquí. El que resulta és oníric, íntim, que trenca les fronteres i embruixa. Potser una meditació cinematogràfica sobre el llibre bíblic d’Ecclesiastes - “Sense sentit! Sense sentit! Sense sentit! Tot no té sentit ”, o potser una reinterpretació de la novel·la de Walker Percy“ The Moviegoer ”i la continua recerca existencial del seu protagonista,“ Knight of Cups ”té tresors per oferir, tant visualment com filosòficament, aquelles ànimes pacients i resistents disposades a assumir el cerca.

“Margaret” (Kenneth Lonergan)

“Margaret”

Fotos de Fox Searchlight

Chad Perman (@everybody_cares), redactor en cap, Bright Wall / Dark Room:

Sóc una persona indecisa per naturalesa, de la classe que pot veure tots els costats de qualsevol argument (i després d’alguns), però aquesta pregunta particular em va portar tres segons per respondre. “Margaret” (2011) de Kenneth Lonergan ’; s és una pel·lícula totalment única, tossudament espoliadora, feroçment compassiva que no intenta res més que capturar un món sencer en les seves tres hores. El “; tall estès ”; que finalment es va permetre a Lonergan muntar per a la publicació del DVD —l’únic que avala plenament— és aquella cosa més rara: una veritable obra d’art. Tenint en compte que l’habitació d’estirar les ales i respirar completament, la versió de tres hores i vuit minuts de Margaret d’alguna manera aconsegueix moure’s molt més ràpidament que el tall teatral més curt que mai va fer. S'escullen i s'amplien diverses escenes, desenterrant-se dels ritmes de la vida real que Lonergan sempre havia pensat; es restableixen les peces de trencaclosques que falten de la trama polifacètica de ’; s, permetent que les relacions entre diversos personatges aprofundeixin i cohereixin; un matrimoni temàtic de contingut i forma, al qual la versió anterior sovint es va insinuar, esclata en plena ressonància. És una experiència aclaparadora, universal i específica alhora, i una de les millors pel·lícules que he vist mai.

'Mistress America' ​​(Noah Baumbach)

'Mistress America'

Deany Cheng (@dennynotdeeny), freelance

'Mistress America'. Potser perquè no és la millor direcció de Baumbach ni la millor obra d’actuació de Gerwig de la dècada, que tant seria la “benvinguda Frances”, sinó que aquest film se sent com un germà poc preferit en els seus respectius cossos de treball. Un dolent esclat de l’etos mil·lenari que no és tan insuficient com la majoria de pel·lícules amb temes similars per la seva espinosa i fascinant simpatia pels seus desordenats i sobreeducats derivats, “Mistress America” és un retrat de no gaire jovent que se sent. ni condescendentment pedant ni desesperadament ingènua. Per descomptat, aquest no és un to que faciliti la captació de la pel·lícula o els globus oculars, però fa que sigui infinitament més interessant revisar i repensar, sobretot pel que el zeitgeist retrata quallades i calcifica en una cosa més difícil de generalitzar en una moralitat. observació de conte o pithy. Si 'Frances Ha' és 'Born to Run' de Baumbach-Gerwig, 'Mistress America' ​​és la seva 'Darkness on the Edge of Town': no tan icònica, però gairebé tan fantàstica, i una peça de companyia extremadament fina.

'Scream 4' (Wes Craven)

“Scream 4”

Joey Keough (@JoeyLDG), redactor de notícies per al terror horrorós, freelance Birth.Movies.Death, visatges vagos, la llista, Girls On Tops

'Scream' és una trilogia gairebé perfecta, però la quarta entrega, llançada el 2011 i destinada a iniciar un altre trio de pel·lícules (abans de la mort prematura del creador Wes Craven), segueix sent una joia infravalorada. En poques paraules, el parpelleig és millor que no hi havia cap dret i només es fa més fort amb l’edat. La majoria dels aficionats tampoc no es van molestar amb això o s'han oblidat dels anys intervinguts, però 'Scream 4' és un petit slasher intel·ligent, desagradable i entretingut carregat amb l'encant requisit 'Scream', però que també es manté amb decisió. inclinació moderna.

Els retardadors de la sèrie Neve Campbell, Courtney Cox i David Arquette tornen tots, fent un paper amb gust (sobretot Cox, que obté moltes de les millors línies). Els nouvinguts, entre els quals hi ha Emma Roberts, Hayden Panettiere, Rory Culkin i Nico Tortorella, són un joc per a la bogeria alegre i la revelació de l'assassí està realitzada de manera brillant, sobretot pel que fa a adolescents adolescents obsessionats per la fama ('No necessito amics, Necessito FANS ”) que, vuit anys després, se sent amb molta cura.

Hi ha qui argumenta que el final el vol dir escollint en lloc de matar als nouvinguts que fan el vestit amb Ghostface, deixant viu el trio original, però, tal com afirma Sidney de Campbell amb èmfasi, no ho f ** k amb l'original. El 'Scream 4' ret un homenatge al que es va produir abans mentre es reclamava una nova raça. Penseu en com van desaprofitar les dues (!) Sèries de televisió en intentar recrear aquella antiga màgia de 'Scream' i tindreu clar com n'és d'especial la quarta pel·lícula. No s'ha llançat cap trinxador des que ha assolit les seves altures i la pel·lícula continua sent actual, cosa que no és una petita proesa.

Si només el 'Scream 4' havia donat el tret de sortida a una trilogia de Craven totalment nova, causa d'aquesta evidència, hi havia molt més al dipòsit.

'Spring Breakers' (Harmony Korine)

'Spring Breakers'

Mike McGranaghan (@AisleSeat), The Aisle Seat, Screen Rant

Tot i que generalment té bones crítiques, els “Spring Breakers” d’Armony Korine no van connectar realment amb el públic. Algunes van ser marcades per les ex-adolescents Selena Gomez i Vanessa Hudgens, que apareixien en una imatge dura i plena de sexe i consum de drogues. Alguns no els agradava l’estil no lineal i semblant de Korine, mentre que d’altres simplement no ho van entendre. Tota la xerrada negativa va desbordar les crítiques positives. Aquí és el cas: “Spring Breakers” és absolutament genial. Les seves escenes il·luminades de neó contenen algunes de les imatges més magnífiques mai compromeses amb el cinema. La història també té molta més profunditat del que molta gent s’adona. Sí, al principi sembla una oda a l’hedonisme. Les visualitzacions repetides revelen que es tracta, realment, d’una desacougant acusació d’una generació amb dret que va provocar que ser un badass i tenir una actitud de cargol és un camí més ràpid cap a l’èxit que el treball dur. Hi ha altres temes també presents, però no dubto a explicar-los perquè penso que a la gent els agradaria descobrir-los orgànicament. Els 'Spring Breakers' són molt millors que la reputació que li han estat engalanats. Cap altra pel·lícula dels deu últims anys no mereix una revalorització més gran.

“Tamara Drewe” (Stephen Frears)

“Tamara Drewe”

MUNTANYA DE PETRE

Andrea Thompson, (@areelofonesown), The Young Folks, A Reel Of One’s Own, The Spool, Film Girl Film Festival

Quan s’escrigui la història de les pel·lícules de còmics, espero que deixi lloc a la pel·lícula del 2010 “; Tamara Drewe. ”; Basat en una novel·la gràfica que va començar com una sèrie setmanal de historietes que va suposar una reelaboració moderna de la novel·la clàssica de Thomas Hardy “; Far From the Madding Crowd, ”; (Tens tot això?) La pel·lícula tracta sobre el personatge titular, un escriptor que torna a la seva petita ciutat natal al camp anglès, on espera tota mena de caire romàntic.

Tot i que va rebre crítiques diverses després del seu llançament, “; Tamara Drewe ”; és una adaptació que és intel·ligent, sexy i divertida alhora que millora el material d'origen. Gemma Arterton és una alegria com a líder, juntament amb algunes excel·lents girs de suport de Dominic Cooper, Luke Evans i Jessica Barden. És també una de les poques pel·lícules de novel·la gràfica que giraran a la vida de les dones, alhora que també ofereix alguns comentaris sobre el dret masculí. Moira Buffini, que va escriure el guió, passaria a fer el mateix per a una altra exuberant adaptació, la pel·lícula de 2011 i ldquo; Jane Eyre, ”; i co-crear la sèrie Hulu criminalment menuda “; Harlots, ”; que tracta de manera més descaradora qüestions de sexe, poder i classe.

“Has gastat suau i encantador” (Josephine Decker)

“Has gastat suau i encantador”

Luke Hicks (@lou_kicks), Escola de cinema rebutja / One Shot Perfect, Birth.Movies.Death.

Estic trencat entre la gloriosa obra de Sofia Coppola, una obra mestra de glam-heist, 'The Bling Ring', i Josephine Decker ('Madeline's Madeline'), pastoral, experimental i inspirada en el mumblecore, 'Thou Wast Mild & Lovely'. ' L’anell de Bling ”cauria amb més precisió a la categoria“ mal maltractat ”mentre que“ Thou Wast Mild & Lovely ”entraria a la categoria“ ignorat ”. Però, veient que com un d'ells té el cognom Coppola i es tracta de menuts, aniré amb el menys conegut dels dos. El sofisticat llargmetratge de Decker és una agressivitat i una poesia brutes de romanç i rumiació que bruscament brinda les vostres sensibilitats ja vertiginoses amb una 'Kill List', que és el gir del gènere en els seus últims moments. Tot i la seva exploració salvatge i imprevisible de l'estil, tot se sent fresc i controlat, probablement a causa de l'enfocament del plantejament de Decker com a guionista, director i editor, i la familiaritat amb el col·laborador i director habitual, Joe Swanberg. Com si això no fos el motiu suficient per veure-ho, té una durada de 78 minuts. És una de les pel·lícules més nítides i desconcertants de la dècada.

“La visita” (M. Night Shyamalan)

“La visita”

Pedro Strazza (@pedrosazevedo), ajudant de redacció en B9

No crec que la gent doni prou crèdit a “; La visita ”; com haurien de fer. És cert que el subgènere de les imatges trobades ha conegut la seva caiguda en l'última dècada, ja que el “; Paranormal Activity ”; Les sèries representen una classe anormal de pel·lícules de terror del tipus només perquè eren barates per produir i guanyaven grans a taquilla, però M. Night Shyamalan ’; s take was a kind of a miracle no només perquè demostrava que el format pot ser explorat de maneres diferents, però que també es pot utilitzar amb finalitats més significatives que els espantalls de salts o, com algunes persones els encanta definir, van portar multituds fins a la seva mort mostrant infinites imatges de res.

També és molt trist que la narració general de Shyamalan ’; s tornés al final es va basar en l'èxit de “; Split ” ;, perquè és ’; s in “; The Visit ”; on més sotmet el seu cinema a punts de ruptura i deconstrucció. Tot i que conserva la plasticitat dels seus trets en el format de càmera de mà, la manera en què els nens sempre discuteixen les posicions de la càmera i la manera de fer entrevistes, combinada amb les maneres en què la pel·lícula condueix els seus moments de terror, realment revifarà la narració fabulosa cap a quelcom nou i més. atrevida en el sentit d’una actualització d’aquestes estructures a l’època contemporània. No puc pensar en una altra revenda de “; Hansel i Gretel ”; història que se sent tan fresca i coherent amb les dinàmiques actuals de voler ser famós, fins i tot si Internet no existeix ni tan sols existeix i els nens només desitgen ser artistes celebrats o alguna cosa del tipus.

I la cosa és: funciona de fàbula tant com funciona de terror, i tot aquest tercer acte és simplement sorprenent i terrorífic de totes les maneres correctes. Dubto seriosament que la gent no guanyi ’; t defineix “; La visita ”; com el complement més important del gènere de les imatges trobades, ja que “; The Blair Witch Project ”; en cinc o deu anys.

“Wuthering Heights” (Andrea Arnold)

'Cims borrascosos'

Ethan Warren (@EthanRAWarren), Bright Wall / Dark Room

Com que el nom d'Andrea Arnold ’; ha passat aquest estiu (per raons bones i per a males), ella sovint es citava com l'autor feroçment elegant del darrere de “; Fish Tank ”; i “; American Honey. ”; El que normalment queda fora de la conversa, però, és la pel·lícula que va estar entre aquests dos: l'adaptació de Arnold ’; s 2011 de “; Wuthering Heights, ”; Una pel·lícula tan sorprenent i engrescadora com qualsevol dels seus crèdits de perfil superior. Arnold adopta la tradicional tradició del dramatisme vestit gòtic i l’aboca fins als ossos i els nervis crus, explicant la història d’Emily Brontë amb el mínim diàleg possible, afavorint el llenguatge corporal primordial i centrant-se tant en el paisatge dur i castigant el clima com els personatges torturats. al seu centre Presentat (en proporció de l'Acadèmia, per al segment de pel·lícules de pel·lícula que emociona fins a detalls tècnics) lliure de música i pràcticament qualsevol altra concessió al gust convencional en el melodrama de prestigi, la obra mestra d'Arnold ’; localitza el mite que es basa en una història familiar, convidant al públic a replantejar-se les seves expectatives no només pel drama d’època, sinó pel cinema en general.

Pregunta: Quina és la millor pel·lícula que actua actualment als cinemes?

Resposta: 'El comiat'



Articles Més Populars